GRACE  MIRACLE

그레이스(김은혜), vocal   l   임선호, guitar   l   양정승, all basic instrument

Sony Music   l   2012

그레이스라는 낯선 이름의 CCM 가수의 음반을 접하면서, 다시금 CCM에 대한 의미(?)에 대해 생각해보게 되었다. CCM이란 'Contemporary Christian Music' 의 약자다. 말하자면 대중적인 기독교 음악이라고 말할 수 있다. CCM은 흔히 교회에서 예배시간에 부르는 찬송가, 복음성가(Gospel)와는 약간의 차이가 있는 음악이다. 찬송가나 복음성가의 경우 대부분 예배를 위한 곡이거나, 그 대상이 삼위 하나님을 향한 곡이 대부분인데 반해, CCM의 내용은 반드시 그렇지는 않다. 하나님을 찬양하고, 경배하는 곡도 포함되지만, 일상적인 삶 속에서의 이야기들도 그 소재로 가능하다. 단, 그 노래의 중심에는 기독교 정신이 포함되어 있어야만 한다. 이 부분이 바로 CCM이 일반 대중음악과 구별되는 가장 큰 차이점일 것이다. 최근에는 복음성가와 CCM에 대한 경계가 다소 모호해진 것이 사실이지만, 좀 더 대중적인 성향을 지닌 곡들이 CCM 이라고 보면 크게 무리는 없을 것 같다. 그렇다면, 그레이스의 이번 미니앨범 《미라클》은 어떤 성격의 앨범일까? 분명 CCM 이라는 옷은 입고 있지만, 수록된 '기적' 은 자신의 신앙고백적인 성격 뿐만 아니라 동시에 하나님을 향한 경배와 찬양의 성격도 갖고 있다. 이런 곡들 중에서 처음에는 가수의 노래로 태어나지만, 후에 회중찬양으로 불리는 곡들도 상당수 있는데, 곡의 성격상 그렇게까지는 어렵지 않을까 싶다.  

데뷔앨범인 이번 미니앨범은 'My Soul' 과 타이틀곡인 '기적', 두 곡 만으로 구성되어 있다. 각 곡들은 여러 버전으로 각색되어 총 다섯 개의 트랙으로 채워졌는데, 'My Soul' 은 사실상 연주곡이나 다름없기에 그레이스의 노래를 들을 수 있는 건 나머지 세 트랙이다. 첫 트랙에서 그레이스는 피아노 연주 위로 시편 23편을 '자기고백' 적인 문장으로 수정해서 낭독하고, 기도로 마무리한다. 이 음반이 하나님을 향한 '자기고백'에 의미를 두었다는 것을 보여주는 듯한 인트로다. 이후 '기적'에서 본론으로 들어간다. '기적'은 개인적인 신앙고백임과 동시에 기독교의 복음의 핵심이 담겨있는 곡이다. 선택이라는 것이 자신의 잘남과 못남에 따라 결정되는 것이 아닌, 오직 '은혜'로만 결정된다는 것에 대한 감사와 예수님의 희생에 대한 감사가 이 곡에 짙게 깔려있다. 예전 SES의 '바다' 와 비슷한 그레이스의 허스키 보이스는 이 곡에서 호소력있게 접근하고, 어쿠스틱한 사운드의 반주는 보컬을 살리는데 중점을 두었다. 오리지널 버전 이후 애시드 펑키 버전은 비트와 리듬에 변화를 준 버전인데, 기존의 대중음악들의 성향 비해 큰 변화를 주진 않았지만 리듬감이 살아나는 곡이다. 오리지널과 이 버전 모두 음악적 리듬감은 어쿠스틱 기타가 리드한다. 네 번째 피아노 버전에서는 건반으로만 반주를 하면서 보다 더 보컬에 중점을 두었다. 마지막 'My Soul'의 피아노 버전은 이 음반의 에필로그와도 같은 역할을 한다. 그런데, 자세히 들어보면 1번과 5번 트랙에 해당하는 'My Soul'은 '기적'의 주된 선율을 차용했다는 것을 알 수 있다. 전체가 그렇지는 않지만, 기적의 선율을 다른 조성으로 연주해서 조금은 다른 느낌이 들게 만들었지만, 기본적인 맥락은 같은 흐름의 곡이라는 것이다.  

이번 미니앨범은 CCM 가수 그레이스에게는 데뷔앨범이다. CCM 솔로 가수로 사역을 시작하면서 자신을 소개하는 '자기소개서' 와도 같은 앨범이다. 가수의 가창력이나 기타 음악성에는 전혀 의심의 여지가 없다. 짧은 플레잉 타임에 따른 아쉬움이 들 정도로 보다 더 많은 노래를 듣고 싶게 만드는 목소리다. 그리고, 무엇보다 각각의 노래들이 하나님의 모습을 형상화하고 있어서 주된 핵심을 흐리지 않는 가수라는 신뢰를 더해준다. 요즘 수 많은 CCM 가수들이 등장해서 소위 하나님이라는 존재를 등에 엎고, 자신의 노래를 하는 것을 보면 답답할 지경인데, 그레이스의 노래를 들으면서는 안심하게 된다. 단지 음반 자켓에 다양한 사진들을 통해 그레이스의 여러 컷들을 담고 있는데, 이런 부분은 조금 자중해야 하지 않을까 싶다. 고리타분하게 들릴지도 모르겠지만, 아무리 CCM이 대중화된 음악이라 하더라도 가수 개인을 지나치게 드러낼 필요는 없다고 본다. 자칫 잘못하면 가수 본인이 대중의 인기를 얻으면서 자신의 사역에 소홀해질 수도 있다고 보기 때문이다. 하나님이 앉아야 될 의자에 자신이 앉게 되면 그때부터 그 가수는 CCM 가수라고 말할 수 없을 것이다. 혹여나 '인기'라는 것에 길들여지면서 마음가짐이 흐트러질까 노파심에 하는 말이다. 아무튼 그레이스의 노래를 통해 더욱 더 많은 이들이 회심하게 되기를 소망해본다.      

< 그레이스 쇼케이스 동영상 >

 

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나희경. 나를 머물게 하는

HeeKyung Na, vocal  

Joao Carlos Coutinho, piano   l   Felipe Poli, guitar   l   Adriano Giffoni, bass

Cesar Machado, drum & percussion   l   Andrey Cruz, flute & saxophone

Sony Music  l  2012

위드블로그 덕분에 나희경의 음악과 두 번째 만남을 가졌다. 작년 가을즈음 처음 만났던 나희경의 음악은 의외의 놀라움을 안겨 주었었다. 브라질에서 살아본 적도 없는 한국처녀가 그네들의 음악을 마치 모국어를 구사하듯 자연스럽게 풀어갔기 때문이다. 음악을 하나, 둘 들으면서 처음에 약간의 색안경을 꼈던 불순했던 마음이 미안해질 정도로 그녀의 음악은 훌륭했다. 그런 그녀가 이번에는 EP 앨범으로 찾아왔다. EP 앨범이라고 하기엔 너무도 충실하게 마련된 밥상은 수록된 곡들이 적은 것을 제외하고는 왠만한 정규음반 보다 나은 구성을 갖고 있다. 디지팩 케이스에 다양한 브라질의 풍경과 세션들의 컷을 담은 내지, 음반을 소개하는 가수의 글까지... 일단은 보는 이들에게 시각적인 만족감을 안겨주는 첫 인상이다. 사실 훌륭한 음악적 감성과 뛰어난 작품성에도 불구하고, 지난 해 발매되었던 그녀의 첫 음반의 포장은 상당히 부실했었기에 나름 안타까운 측면도 있었는데, 이번에는 그런 부분은 전혀 문제가 되지 않을 정도로 산뜻한 인상을 풍긴다.

이번 EP앨범에서 나희경은 자신의 보사노바 입문에 영향력을 미친 음악들을 소개하고 있다. 마치 수 많은 배트맨 시리즈 이후 배트맨 비긴즈를 통해 배트맨의 탄생 배경을 알려준 것처럼, 이번 EP 앨범 《나를 머물게 하는》에서 보사노바를 시작하게 된 배경 중 일부를 소개하고 있다. 그런데, 그 출발점에 있던 음악들은 보사노바 음악이 아니라 우리나라의 가요들이었다. 내지에서도 밝히는 것처럼 그녀는 여기에 수록된 다섯 곡의 노래들이 보사노바를 비롯한 브라질 음악의 매력 속에 빠지게 하는데 일조했다고 한다. 전적으로 이 노래들을 통해 보사노바에 입문했다고 보기는 어렵겠지만, 나름의 영향력을 미친 이 음악들을 이번 기회에 대중 앞에 꺼냈다.

그러고 보면 여기에 수록된 곡들은 하나 같이 보사노바 리듬과 어울리는 공통점을 갖고 있다. 표면적으로 드러나진 않지만, 각각의 곡들은 보사노바 리듬과 유사한 속성을 갖고 있다. 나희경은 이 교집합에 해당하는 부위를 부각시키면서 두 가지 음악을 하나로 엮었다. 보사노바 뿐만 아니라, 삼바, 삼바이야오, 모카 보사 등의 리듬으로 새롭게 옷을 입은 곡들은 원곡의 감성은 유지하면서 다른 스타일의 옷을 입은 셈이다. 추측컨데, 이 중에서 가장 어렵지 않게 이 리듬에 순응한 곡은 유재하의 '우울한 편지' 가 아니었을까 싶다. 곡 자체가 보사노바와 너무도 잘 어울리는 색감을 갖고 있기 때문에 이 곡에서는 별다른 편곡없이 시도가 가능했으리라 본다. '춘천가는 기차'에서의 밝은 기운은 첫 대면에서는 살짝 낯설기도 했지만, 들으면 들을수록 익숙해지는 느낌은 편곡과 연주의 탁월함 덕분이라 생각한다. '흩어진 나날들' 에서는 보컬리스트의 감각이 돋보인다. 한 템포, 아니 아주 미세하게 늦추는 타이밍과 부분적으로 활용한 논 레가토를 통해 세션의 도움 없이도 곡에 특유의 리듬감을 불어 넣었다. 이 곡을 들으면서 기회가 된다면, 무반주 혹은 한 개 정도의 리듬악기만 갖고 노래를 부르는 시도를 해봐도 괜찮겠다는 생각도 하게 됐다. 첫 트랙 '사랑하오' 는 '우울한 편지' 다음으로 브라질 리듬에 어울릴 법한 노래가 아닐까. 보컬의 중저음이 노래의 성격과 무척 잘 조화를 이뤘던 것 같다. '그대 내 맘에 들어오면은' 또한 나쁘진 않았지만, 다른 곡에 비해 상대적으로 보컬의 톤에 약간의 부족함이 느껴졌다. 기량의 부족이라기 보다는 목소리에 어울리지 않는 곡이 아니었나 싶다.

이번 음반 또한 브라질 현지에서 현지 세션들과 호흡을 맞췄다. 첫 음반 《HENNA》에서 함께 호흡을 맞췄던 세자르 마차도(드럼, 퍼쿠션 & 프로듀싱)와 앤드류 크루즈(플루트 & 색소폰)가 이번에도 함께 했다. 현지 뮤지션들에겐 다소 낯설 수도 있는 한국의 가요들일텐데도 그들의 연주는 마치 곡을 잘 알고 있다는 느낌을 전해준다. 어떻게 보면 나희경이 이 노래들에서 보사노바의 흔적을 발견한 것처럼, 그네들 또한 비슷한 감정을 느끼지 않았을까 싶다. 공감대라는 것, 그것은 국적과 문화를 불문하고 소통의 통로를 열어주는 열쇠와도 같은 것 같다. 그러기에 브라질에서 자라지도 않은 한국인이 브라질 음악에 빠질 수도 있는 것이고, 한국음악을 모르는 브라질리언들 또한 한국음악을 이토록 맛나게 연주할 수 있는게 아니겠나? 브라질로 건너가서 끊임없이 러브콜을 받고 있는 나희경이 어쩌면 브라질 현지에서 이 노래들을 부를 기회가 있을지도 모르겠다. 만약 그렇게 된다면 특별한 장치나, 거창한 프로젝트 없이도 문화적 소통은 자연스럽게 물 흐르듯이 이뤄질거라 본다. 음악을 향한 소통을 꿈꾸는 뮤지션에게 박수를!!       

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Antonio Vivaldi : La stravaganza

Frederic de Roos, recorder & direction   l   La Pastorella

Ricercar   l   RIC 288

리코더 연주자 프레드릭 드 루스는 이번에 소개할 비발디의 <라 스트라바간차>를 담은 음반에서 꽤 재미있는 시도를 했다. 바로크 바이올리니스트 레이첼 포저의 녹음(Channel Classics)으로 더욱 유명해진 비발디의 작품 4번의 12곡의 협주곡들을 다양한 색채감의 옷으로 덧입힌 것이다. 물론, 절대 원작에 비해서 더 화려하거나 강력하거나, 격렬하지는 않다. 원곡 자체가 솔로 바이올린과 스트링, 바소 콘티누오를 위한 것인 만큼 현악기의 질감이 짙게 깔려있고, 바로크 음악의 묘미라고 할 수 있는 메사 디 보체(messa di voce)가 극적으로 드러나기 때문에 원작의 뉘앙스를 이번 녹음의 편성으로 뛰어넘긴 사실상 불가능하다. 여기서 프레드릭 드 루스와 앙상블 라 파스토렐라는 비발디의 수 많은 협주곡들이 서로 연관성을 갖고 있다는 것에 주목했다. 비발디의 상당수의 솔로 협주곡이 실제 원곡은 다중 협주곡인 경우가 상당하고, 플루트(혹은 리코더) 협주곡 또한 원곡이 바이올린 경우, 그 반대의 경우도 있다는 데서 루스는 아이디어를 얻었다.

루스는 원곡에서 독주 바이올린과 현악 앙상블의 소통을 더 다양한 악기들로 재편성했다. 분명 이번 녹음에서 가장 주가 되는 선율악기는 리코더지만, 리코더 외에도 바이올린, 오보에, 바순까지도 부분적으로 독주파트를 맡겼다. 덕분에 원곡에서의 바이올린과 현악파트의 이중적인 소통이 이 녹음을 통해서는 다중적인 소통으로 바뀌었다. 반면, 현악기의 비중은 상당히 감소되었다. 바이올린도 단 한 대, 그 외에 콘티누오로 첼로 한 대 정도가 있을 뿐이다. 그러다보니 자연스레 리코더와 오보에, 바순 등의 목관악기의 비중이 더 커졌고, 음악 자체도 상당히 목가적인 기운으로 바뀌었다. 특히, 각 곡마다 느린 악장에서는 원곡의 감성을 넘어서는 설득력마저 안겨 줄 정도다. 루스가 그간 리체르카르 레이블에서 보여준 맑고 투명한 리코더의 음색은 이 부분에서 더 빛을 발한다.  

앙상블 자체가 최소한으로 축약된 만큼 각 곡들은 협주곡의 느낌 보다는 콰르텟의 성격이 강해 보이는데, 마치 협주곡의 성격을 갖고 있는 텔레만의 G단조 콰르텟이나, 콰르텟의 성격을 갖고 있는 스카를랏티의 A단조 협주곡을 연상하게 한다. 그 만큼 격렬함은 줄어들고, 대신 소규모 앙상블의 오밀조밀한 재미가 더 부각되었다. 내지에서 루스가 밝히고 있는 것처럼, 대부분의 연주에서 원곡의 조성을 그대로 유지하고는 있지만, 악기의 특성과 음악적 효과를 위해서는 부분적으로 조성을 옮기기도 했고, 필요에 따라서는 옥타브를 조정하기도 했다. 코렐리의 바이올린 소나타를 리코더로 편곡한 버전에서도 이런 과정은 필요했듯이 조성에 따라 곡의 느낌은 달라질 수 있겠지만, 전체적인 그림을 놓고 봤을 때 이런 시도는 타당하다고 보여진다.

이 음반에서 연주자들의 목적, 즉 말하고자 하는 것은, 이런 식의 편곡을 통해 다양한 음악적 즐거움을 나누고자 함에 있는 것 같다. 어떤 주장을 강요하는 것도 아니고, 단지 비발디 시대에 성행했었던 '다양성'을 통해 당시의 관습적인 부분을 21세기에도 등장시키면서 향유하고자 하는 목적이 가장 클 것이다. 그 만큼 이번 음반은 그들의 사고가 닫혀있지 않고, 창의적인 발상을 통한 상상력의 통로가 열려 있다는 것을 증명하는 대목이기도 할 것이다. 참고로 원곡과 루스의 편곡판을 비교해서 들어보는 것도 괜찮을 듯 싶어서 함께 아래에 올려본다.

:: 미리듣기 ::

② Frederic de Roos(recrder & dir.) & La Pastorella

REBORN 산울림

장기하와 얼굴들  ㅣ  NY물고기  ㅣ  이진욱  ㅣ  아이투아이  ㅣ  킹스턴 루디스카  ㅣ  메이트리  ㅣ  김창완밴드

갤럭시 익스프레스  ㅣ  웅산  ㅣ  알리  ㅣ  꽃별  ㅣ  10cm  l  김바다 with Art of parties  l  크라잉 넛 

SONY MUSIC [2012. 3]

올해 3월 발매된 'Reborn 산울림' 은 대한민국의 대표적인 인디 락밴드 산울림의 35주년을 기념하는 음반으로 이 음반을 위해 후배 뮤지션들이 의기투합해서 뜻을 모았다. 물론, 여기에는 산울림의 뼈대와도 같은 가수 김창완과 그의 밴드 또한 포함되어 있다. 산울림은 가수 김창완이 1977년 그의 형제 창훈, 창익과 함께 만든 밴드로 1977년~1997년까지 총 13장의 정규앨범과 아이들을 위한 동요모음 4장을 남겼다. 2008년 막내동생 김창익이 불의의 사고로 세상을 떠난 후 김창완은 새롭게 뜻이 맞는 뮤지션들을 모아 지금의 '김창완밴드'를 만들었다. 

지금의 세대들은 잘 모를지라도 적어도 필자를 포함한 70, 80 들은 김창완이라는 가수와 산울림을 기억하고, 추억하고 있을 것이다. 적어도 그들의 노래인 '안녕', '개구쟁이', '아니 벌써' 정도는 당시에 국민가요와도 같은 노래들이었다. 대표적인 인디밴드임에도 불구하고, 산울림은 소통을 즐겨했던 밴드로 기억한다. 당시 가요를 별로 듣지 않았더 필자 조차도 이들을 기억하고 있을 정도니 이들을 국민밴드라 칭해도 무리는 아니라 본다. 그렇다고 이들을 대중성에 치우친, 다시말해 팬들의 입맛에 맞는 음악들을 통해서 금전적인 이득에 눈이 먼 뮤지션으로 오해하진 않았으면 좋겠다. 그들의 노래가 대중들에게 사랑받았던 이유는 무엇보다도 국민정서를 그대로 담고 있었고, 그 내용 또한 지극히 서민적이었기 때문일 것이다. 자극적이지 않은 소박한 가사들로 우리네 일상속 이야기들을 담은 노래들은 모두의 공감을 사기에 충분했을 것이다.

이런 산울림을 기념하는 음반은 이미 1999년 후배 뮤지션들을 통해 '77 99 22' 라는 타이틀로 발매되었다. 당시 여기에 참여했던 뮤지션들은 김종서, 김장훈, 시나위, 자우림, 윤도현밴드, 한동준, 여행스케치, 유리상자 등 당시 락과 포크음악에서 두각을 보이는 뮤지션들이 프로젝트에 합류했고, 음반 또한 락과 포크, 두 장으로 나뉘어 발매되었다. 2012년을 맞아 산울림 데뷔 35주년을 기념하는 이번 음반에는 보다 젊은 후배 뮤지션들이 참여했다. 'Reborn' 이라고 타이틀에도 명시되어 있는 것처럼 35년전 산울림의 음악들은 지금의 젊은 뮤지션들을 통해 다시 태어난 셈이다. 이번 음반은 DVD 케이스 사이즈의 양장본 책 형태로 제법 두툼한 북클릿도 포함되어 있다. 각 페이지마다에는 참여 뮤지션들의 사진과 각자 맡은 곡들의 편곡의도, 그리고 산울림에게 남기고 싶은 감사의 마음들을 글귀로 남겼다. 

이번 산울림 35주년 기념음반에서 가장 특징적인 면은 다채로운 편곡이라고 언급하고 싶다. 원곡과 비슷한 흐름의 편곡도 있지만, 완전 상반된 스타일의 편곡도 등장하고, 락적인 요소를 더욱 부각시킨 격렬함이 담긴 편곡도 있다. 어떤 스타일이던지 핵심적인 요소라고 볼 수 있는 곡 자체의 뉘앙스는 산울림의 속성을 그대로 유지하고 있고, 그 위에 각자의 팀컬러를 입힌 방식을 고수하고 있다.  

첫 트랙인 《조금만 기다려요》를 부른 장기하와 얼굴들은 원곡의 느낌은 살리면서 자신들의 색깔도 십분 살렸다. 원곡에 비해 좀더 굵직한 음색과 박력 넘치는 전개는 장기하 사운드를 그대로 보여준다. 엄청난 에너지로 달려가다가도 순간 숨죽이게 만드는 장면이나, 엔딩에서의 깔끔한 스톱모션의 연출은 밴드의 재치와 유머러스함을 느끼게 한다. NY 물고기가 부른 《독백》은 원곡의 서정성을 더 부각시킨 느낌이다. 원곡에 비해 더 어쿠스틱한 감성을 강조했고, 같은 코러스도 약간의 다른 색채감을 부여하면서 후반부에서는 비틀즈의 '헤이 주드'를 연상하게도 한다. 베이스의 후주로 마무리하는 부분도 무척 인상적인 대목이다. 이진욱의 피아노 연주로 새롭게 태어난《나 어떡해》는 어떤 곡 보다도 연주가의 편곡이 돋보이는 곡이다. 기존의 4박자의 곡을 3박자의 왈츠풍으로 바꾸면서 후반부에서는 베토벤의 피아노 소나타 '템페스트'와 연결짓기까지 했다. 그 과정은 무척이나 매끄럽게 연결되었고, 각 변주 하나하나에는 연주가의 감성이 충분히 실려있는 것만 같았다. 빠른 템포의 원곡을 이렇게 서정적으로 만들 수 있는 재주, 아니 재능에 탄성을 질렀다.

아이투아이가 부른 《창문너머 어렴풋이 옛 생각이 나겠지요》는 김창완스럽게 편곡된 연주다. 어쿠스틱 기타만의 반주와 메인 보컬, 코러스의 상냥함이 어우러지는 노래는 곡 성격을 충분히 살렸다고 본다. 킹스턴 루디스카의 《가지마오》 는 이 음반에 수록된 연주 중에 가장 큰 편성의 연주일 것이다. 가장 두드러지는 부분은 브라스 밴드의 투입과 더불어 독특한 스카리듬의 삽입으로, 들썩거리는 흥겨움을 유발하기에 충분한 연주다. 전자악기들과 금관 사운드의 조화는 상당히 상큼하다. 포크 인디밴드인 메이트리는 《안녕》을 아카펠라로 청량감 넘치게 표현했다. 부분적으로 다른 화성을 적용하면서 애잔한 감성도 부추기지만, 어느새 다시 제자리로 돌아와서 순수한 감성을 적시는 연출은 이 밴드의 풋풋함이 그대로 담겨있는 듯하다. 김창환밴드의 《내 마음에 주단을 깔고》는 이 음반의 백미이자 가장 주목받는 곡이 될 것 같다. 이 트랙이야말로 산울림의 주인공인 김창환이 산울림 활동을 접으면서 새롭게 시작한 밴드인 만큼 어떤 곡 보다도 큰 기대감을 갖게 만드는 곡이 아닐까. 뚜껑을 열어보니 기본적인 느낌은 비슷하지만, 이 곡의 다른 버전을 보는 듯한 느낌을 준다. 특히 3분이 넘는 긴 인트로에서 일렉기타는 원곡의 메아리 같은 성격이 아닌 보다 전면으로 나오는 방식을 택했다. 단단하고 선명한 일렉기타의 솔로와 더불어 다른 악기들의 추가적으로 연결되는 사운드는 원곡에 비해 상당히 강력하고 통쾌할 정도로 짜릿하다.

갤럭시 익스프레스의 《무지개》는 상당히 견고하면서도 다이내믹하고, 파워풀한 사운드를 제대로 만들어낸 연주지만, 원곡의 서글픈 애잔함은 어디론가 사라져 버린 것만 같아 아쉬움이 남기도 하는 연주다. 웅산이 노래하는 《찻 잔》은 몽환적인 기운이 가득한 연주다. 재즈가수인 만큼 다양하고 과감한 시도를 할 수도 있었을텐데 뮤지션의 절제미가 느껴진다고나 할까.. 그 절제력의 내공이 느껴질 만큼 노래는 인상적이다. 나즈막하게 읊조리는 듯한, 속삭이는 듯한 노래에는 깊은 애절함이 묻어난다. 후반부의 과하지 않은 스캣과 살며시 드러나는 바이브레이션도 맛깔스런 부분이다. 알리는 《내가 고백을 하면 깜짝 놀랄거야》에서 그루브를 만끽하고 있다. 특유의 움켜쥐는 창법과 더불어 베이스와 기타의 경합도 볼만하다. 거기에 맛깔나는 코러스는 양념같은 요소다. 해금을 대중적으로 유명하게 만든 아티스트 꽃별이 연주하는 《내게 사랑은 너무 써》는 그야말로 풋풋하다. 해금이라는 악기의 목소리는 늘 애가 타는 음색이라고 생각했었는데, 이 곡에서는 소녀의 풋풋한 감성을 기타와 함께 수채화처럼 그려냈다. 10cm의 《기타로 오토바이를 타자》는 무작정 달린다기 보다는 주변도 살피는 여유가 보이는 연주다. 어쿠스틱 기타와 카혼의 연주는 대단히 훌륭하다. 마치 서부영화를 연상케하는 달리는 느낌은 황량한 사막 위를 먼지를 일으키며 힘차게 달리는 기분을 선사해준다. 김바다와 아트오브 파티의 《아마 늦은 여름이였을거야》는 그늘진 기색과 격렬함을 동시에 들먹이면서 사이키델릭이라는 몽환적이고 강렬한 옷을 입혀서 잠시 얼빠진 듯한 기분을 안겨준다. 크라잉넛의 《아니 벌써》는 마지막 곡으로 제격인 연주다. 악동스런 이미지는 이 곡의 재치발랄함과 잘 어울리는 매칭이고, 거기에 다양한 요소들을 접목시킨 시도는 박수받아 마땅한 대목이다. 세레민을 여기에 시도할 줄이야!!!! 

이번 리뷰를 쓰기 전 우연히 아나운서 백지연이 진행하는 피플 인사이드라는 프로그램을 보게 되었는데, 마침 락가수로 유명한 박완규가 게스트로 출연했다. 진행자가 락 스피릿(Rock Spirit)에 관해서 묻자 박완규는 상당히 진지하게 이야기를 풀어갔는데, 그는 락 스피릿, 록 정신은 머리 기르고, 격렬하게 음악을 하는 것을 말하는게 아니라고 말한다. 옳은 것을 옳다고 말할 수 있고, 목적을 갖고 있어야 한다는... 이 말을 떠올리면서 산울림과 김창완이야말로 이런 락 스피릿에 부합하는 대표적인 모델이 아닐까 싶다. 이들이 시시콜콜한 연애담만 늘어놓았다면 지금처럼 이들을 그리워하는 이들이 많게 되었을까? 자신들의 소신에 맞게 음악을 하면서 관객과 소통했기에 이들의 음악이 후배들과 또한 지금의 한참 후배들에게까지도 영향력을 미치게 되었을 것이다. 분명 이 음반에 수록된 곡들을 원곡과 비교해보면 다소 세련되지 못했거나 빈약한 부분이 등장할지도 모르겠다. 하지만, 산울림의 음악은 지금 들어도 공감대가 형성될 만큼 설득력을 갖고 있다. 아마도 그 이유는 음악의 진정성이 수십년이 지난 지금도 소통되기 때문이 아닐까. 이런 이유들로 이번 음반에 선택된(?) 뮤지션들 또한 대부분 인디밴드, 인디음악을 추구하는 음악인들이다. 덕분에 산울림의 목적의식과도 묘하게 맞닿아 있다는 느낌이 든다.

《REBORN 산울림》은 산울림에 대한 후배들의 재롱잔치다. 자신들을 있게 한 대 선배에게 바치는 헌정사와도 같은 음반이다. 또한, 산울림의 중심에 있었던 김창완의 추억의 사진첩이기도 할 것이다. 이런저런 이야기들을 풀어 봤지만, 사실 여기서 왈가왈부할 필요나 이유가 뭐 있겠나? 남의 잔치집에 가서 이렇다 저렇다 하는 사람 만큼 추한 사람도 없을 것이다.